L’attente

La Galerie de l’UQAM lance l’année 2019 avec L’attente, une riche exposition de groupe rassemblant des artistes du Québec, de l’Angleterre, de l’Inde et de l’Allemagne. Un commissariat de Fabrizio Gallanti, L’attente questionne la place et la valeur du temps dans le système capitaliste contemporain.

L’exposition

L’exposition L’attente se propose d’explorer un aspect intimement lié à notre relation avec le temps, notamment le temps du travail, qui occupe une place centrale dans nos vies. De nombreux artistes ont donné de l’attente des lectures et des représentations variées dans le but d’en sonder la nature et d’en figer quelques fragments importants.

On a coutume de dire qu’il faut savoir gérer habilement son temps. Cela est fondamental pour quiconque entend être performant, avoir la maitrise de sa vie, connaitre le succès. Nous devons maintenir un savant équilibre entre le temps consacré au travail et à la production d’une part, et celui que nous nous accordons d’autre part. Autrement dit, être en mesure de nous procurer à nous-mêmes du réconfort tout en polissant les différentes facettes de notre personnalité. Une fois projetée dans le monde, celle-ci est la clé qui fera de nous des êtres accomplis, épanouis, capables de réaliser les objectifs les plus divers. Nous savons aussi depuis très longtemps déjà qu’à chaque unité temporelle — une semaine, un jour, une heure, quelques minutes parfois —, nous pouvons rattacher une valeur pécuniaire : la majeure partie de notre relation à l’argent est associée, moyennant de nombreuses acrobaties mathématiques, à une mesure du temps.

Ainsi, nous sommes dans l’attente d’un emploi, d’une réponse à une candidature, d’une entrevue avec un fonctionnaire ou d’une rencontre avec un professionnel… Nous savourons quelques instants de pause en attendant de recommencer à travailler. Or, cette attente peut être source d’anxiété et de préoccupation. Parfois, la principale activité d’une tâche consiste elle-même à attendre. Même la répartition du temps entre action et attente reflète les clivages de classe ; d’un côté, les privilégiés que l’on sert en premier, de l’autre, les gens qui n’ont pas d’autre choix que de faire la queue et attendre

Réunissant des œuvres déjà existantes, des documents d’archives et de nouvelles créations, L’attente offre un lieu d’échange et de réflexion sur cet aspect particulier du temps, à la fois très banal et complexe. L’exposition reconnait, dans le regard porté sur ces questions par les artistes, non seulement une capacité d’analyse et de construction liée à l’expérience esthétique, mais aussi un potentiel subversif et de résistance. En définitive, un véritable affranchissement s’opérera quand le temps de l’attente nous sera restitué et cessera d’influer sur nos vies sous l’action d’éléments extérieurs.

À propos du commissaire

Fabrizio Gallanti possède une large expérience internationale en design architectural, en enseignement, en publication et en organisation d’expositions. Il est titulaire d’un Ph. D. en design architectural de la Politecnico di Torino (Turin, Italie, 2001) et d’une maitrise en architecture de l’Université de Gênes (Italy, 1995). Il a enseigné au Canada, au Chili, en Italie, au Royaume-Uni et aux États-Unis. En 2014, il devenait le premier Senior Mellon Fellow à l’École d’architecture de l’université Princeton. Il enseigne présentement à l’École d’architecture de l’Université McGill à Montréal ainsi qu’à l’Architectural Association à Londres. Entre 2011 et 2014, il a occupé le poste de directeur associé des programmes au Centre canadien d’architecture, à Montréal. De 2007 à 2011, il a été éditeur de l’architecture au magazine Abitare et rédeacteur en chef du site web d’Abitare. Il collabore régulièrement à divers magazines d’architecture tels Harvard Design Magazine, Interwoven et San Rocco. En 2016, il a dirigé le livre MCHAP: The Americas pour IIT/Actar. Avec Francisca Insulza, il est le partenaire fondateur du studio de recherche en architecture Fig Projects, basé à Montréal (2003 à ce jour). En 2016, Fig Projects a organisé l’exposition The World in Our Eyes pour la 4^e Triennale d’architecture de Lisbonne. Fig Projects s’intéresse actuellement à la relation entre la conception architecturale et le travail.

À propos des artistes

Jeremy Deller vit et travaille à Londres. Il a étudié l’histoire de l’art au Courtauld Institute et à la Sussex University. Deller a remporté le Turner Prize en 2004 pour son œuvre Memory Bucket et a représenté l’Angleterre à la 55^e Biennale de Venise en 2013 avec son projet English Magic. Il a commencé à réaliser des œuvres au début des années 1990, souvent en les montrant à l’extérieur des galeries conventionnelles. Son travail a été l’objet d’expositions individuelles à travers le monde, notamment : Skulptur Projekte Münster (2017) ; The Infinitely Variable Ideal of the Popular (CA2M, Madrid, 2015 ; tournée au MUAC, Mexico ; à la Fundación Proa, Buenos Aires ; et au Azkuna Zentroa, Bilbao) ; Joy in People (Hayward Gallery, Londres, 2012 ; tournée à l’Institute of Contemporary Art, University of Pennsylvania ; et au Contemporary Art Museum St-Louis) ; It Is What It Is: Conversations About Iraq, (New Museum, New York, 2009 ; tournée au Hammer Museum, Los Angeles ; et au Museum of Contemporary Art, Chicago). Deller a été commissaire de nombreuses expositions, notamment Iggy Pop Life Class (Brooklyn Museum, 2016) et Love Is Enough: William Morris and Andy Warhol (Modern Art Oxford, 2014).
jeremydeller.org

K. Deepika, A. Kameshwaran, M. Sinduja, A. Thalamuthu et K. Padmapriya sont des artistes récemment diplômé·e·s du Government College of Fine Arts à Chennai (Inde). Leur œuvre collective présentée dans L’attente a été créée dans le cadre de leurs études pour l’exposition Archiving Labour, organisée par la commissaire et professeure Krishnapriya CP. Cette exposition, qui rassemblait 33 étudiant·e·s, faisait partie de la Students’ Biennale 2016-2017, présentée en parallèle avec la Kochi-Muziris Biennale (Kochi, Inde). Les étudiant·e·s y exploraient l’histoire de leur collège en réfléchissant à l’imbrication du travail et de la colonisation dans la mise en place de cet établissement.

Outre leurs pratiques individuelles, Jean-Maxime Dufresne et Virginie Laganière collaborent en duo depuis une quinzaine d’années. Leurs recherches artistiques s’intéressent à la transformation de nos environnement construits et leurs réalités sociales ainsi qu’à différentes formes de spéculation sur le futur, avec une sensibilité pour la psyché humaine et les climats sociopolitiques. De nature anthropologique, leur travail s’incarne dans une approche protéiforme qui combine principalement l’installation, la photographie, la vidéo, la création sonore ainsi que l’élaboration de dispositifs et d’éléments sculpturaux. En brouillant les pistes entre le documentaire et le fictionnel, diverses stratégies narratives sont préconisées dans l’interprétation du réel afin de déployer des imaginaires à travers lesquels il est possible de se projeter. Alimenté par des séjours en résidence qui incluent le HIAP (Helsinki International Artist Programme, 2016) et le Inside-Out Art Museum (Beijing, 2013), leur travail a fait l’objet de nombreuses expositions individuelles, dont Normal Times. La vie minérale(L’œil de poisson, 2018) ; Post-Olympiques (Maison de la culture Côte-des-Neiges, 2017 ; 3331 Arts Chiyoda, Japon, 2015 ; VU, 2014) et Blind Signal (Titanik Gallery, Finlande, 2014). De plus, leur œuvres sont intégrées à plusieurs expositions collectives, dont Art souterrain (2015), Manif d’art 7 (La biennale de Québec, 2014) et ABC : MTL (Centre canadien d’Architecture, 2013).  Le travail présenté à la Galerie de l’UQAM a été initié lors d’une résidence à TOKAS (Tokyo Arts and Space, 2018), avec le soutien du Conseil des arts du Canada.
jmdufresne.ca | virginielaganiere.com

Un couple de la vie personnelle et une équipe de producteurs partageant les mêmes idées, Antje Ehmann et Harun Farocki ont uni leurs forces dans de nombreux projets artistiques et de commissariat depuis la fin des années 1990. Après avoir travaillé ensemble sur des programmes cinématographiques pour différentes expositions et institutions, leur première collaboration a été l’exposition emblématique Cinema Like Never Before (Generali Foundation, Vienne, 2006 ; Akademie der Künste, Berlin, 2007), qui visait à créer un troisième espace au-delà du musée et du cinéma. Un second projet commissarial important visait à mettre en dialogue les images de guerre réalisées par les médias militaires et de masse, et leurs homologues critiques dans la pratique des artistes contemporains. Il en a résulté les expositions The Image in Question. War – Media – Art (Carpenter Center for Visual Arts, Cambridge, États-Unis, 2010) et Serious Games. War – Media – Art (Mathildenhöhe, Darmstadt 2011). Ehmann et Farocki ont également des pratiques individuelles. Antje Ehmann est commissaire, auteure et artiste. Harun Farocki est un cinéaste et vidéaste dont l’œuvre comprend plus de 100 longs métrages, essais, documentaires et installations vidéo. Il était l’un des réalisateurs les plus importants d’Allemagne au moment de son décès, en 2014.
harunfarocki.de

Emmanuelle Léonard vit et travaille à Montréal. Elle détient un baccalauréat de l’Université Concordia et une maitrise de l’Université du Québec à Montréal. Son travail a été présenté dans de nombreuses expositions individuelles et collectives, notamment au Musée des beaux-arts de l’Ontario (2012), au Musée d’art contemporain de Montréal (À la recherche d’Expo 67, 2017 ; Territoires urbains, 2005), au Fresnoy – Studio National des Arts Contemporains (À Montréal, quand l’image rôde, 2013-2014), à la Galerie de l’UQAM (Le désordre des choses, 2015), à la Kunsthaus Dresden, au Neuer Berliner Kunstverein, à Mercer Union, à Optica et chez VOX – Centre de l’image contemporaine. Elle participe régulièrement à des évènements collectifs tels la Daegu Photo Biennale (Corée du sud, 2017), la Biennale de Montréal (L’avenir, 2014), le Mois de la photo à Montréal (2007, 2009) et la Triennale québécoise (Le travail qui nous attend, 2011). Elle est récipiendaire du Prix Pierre-Ayot 2005 et finaliste AIMIA | AGO Photography Prize 2012. En 2018, elle est en résidence avec les Forces armées canadiennes ainsi qu’à Bogotá, grâce à une entente entre le Ministère de la Culture de Colombie et le Conseil des arts et des lettres du Québec. À l’automne 2019, la Galerie de l’UQAM lui consacrera une importante exposition monographique dont Louise Déry sera la commissaire.
emmanuelleleonard.com

Artiste et médecin, Alain Parent partage depuis maintenant plus de vingt ans sa pratique médicale entre la salle d’urgence de l’Hôtel-Dieu à Québec et les différentes communautés Inuits du Nunavik, entrecoupée ces dernières années de missions humanitaires à l’étranger avec la Croix-Rouge. En marge de la médecine, mais toujours en lien avec ses rencontres et déplacements, sa pratique artistique a d’abord été orientée vers une photographie assez classique de portrait et de paysage. La maitrise interdisciplinaire en art qu’il a complété en 2016 aura marqué un moment décisif de son parcours d’artiste et de médecin, puisqu’art et médecine cohabitent maintenant à la faveur d’un nouvel espace de recherche et de création. Produite en plein exercice de la médicine, souvent à la salle d’urgence, il propose une œuvre puisant à même son quotidien de soignant, parfois aux limites de l’éthique et des contraintes institutionnelles, imprégnée de ses démêlés avec l’imprévu, l’inhospitalier et l’indécidable. Les résultats de ses recherches à la maitrise ont été exposés à la Galerie des arts visuels (Université Laval, 2016). Son plus récent projet de recherche-création, Art et médecine en contexte socioculturel nordique, a été entrepris à l’automne 2017 dans le cadre d’un doctorat à la Faculté d’aménagement, d’architecture, d’art et de design de l’Université Laval.

Offre éducative et accessibilité

Les médiatrices et médiateurs de la Galerie de l’UQAM se feront un plaisir d’accueillir les groupes et professeurs pour des visites commentées de L’attente. Souples et ouvertes à tous les groupes scolaires et communautaires, ces visites peuvent être adaptées aux besoins particuliers et s’inscrire en dialogue avec la matière abordée en classe, le cas échéant. Ces activités sont offertes sans frais, en français ou en anglais.

Récemment, la Galerie de l’UQAM a mis sur pied différents services d’accessibilité de ses expositions et activités pour les personnes sourdes et malentendantes. Ces services visent à la fois une meilleure intégration de ces communautés aux activités publiques de la Galerie de l’UQAM et le développement d’occasions spécifiques répondant à leurs besoins. De plus, les salles d’exposition de la Galerie de l’UQAM sont accessibles aux fauteuils roulants.

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