Wim Delvoye, Cloaca No 5, 2006 © Wim Delvoye © Wim Delvoye, Cloaca No 5, 2006

Wim Delvoye. Cloaca No 5

Curator: Wayne Baerwaldt

 

January 16 to February 14, 2009
Opening: Thursday, January 15 at 5:30 p.m.

 

[More information]

For the first time in Québec, art lovers and curiosity seekers will have an opportunity to appreciate one of the most important and controversial works by world-renowned contemporary artist Wim Delvoye. The artist’s presence at the vernissage on January 15 is exceptional, given the impressive number of his current exhibitions around the world.

After Kaohsuig, Taiwan and Luxemburg, it is Montreal’s turn to see Cloaca No. 5, the fifth incarnation of the Cloaca series, which has been exhibited across the globe. This exhibition is organized and touring in collaboration with the Illingworth Kerr Gallery of the Alberta College of Art and Design in Calgary.

A work of art with human needs

What exactly is Cloaca 5 and why does it fascinate even those who are usually indifferent to art? At the intersection of art and science, Cloaca N° 5 is a machine/sculpture that reproduces the human digestive system, from mastication to excretion. Each step is perfectly recreated: Cloaca N° 5 contains all the enzymes, bacteria and chemicals of the human digestive system. Once installed by the artist’s team of technicians, the machine is fed twice daily at fixed times, in a well-defined ritual.

Inspired by human consumption

Wim Delvoye explores the merchandising of today’s consumer culture. Appropriating images from well-known brands, the artist creates experiences that challenge bioethics. The Cloaca N° 5 logo uses the recognizable graphics of a famous perfume. And the Wim Delvoye brand is also sold and consumed in a variety of forms (a Wim action doll, t?]shirts, toilet paper, etc.). A number of these products will be on sale at the Galerie during the exhibition.

Not only does Cloaca N° 5 invite us to consider the definition of life, from start to finish; by drawing a parallel between an object of distaste and an art object, it also raises questions about how these are perceived. On a macroeconomic scale, Cloaca N° 5 depicts pure materialism and unbridled consumption. It is a metaphor for our post-industrial society, a critique of hyper-capitalism.

About Wim Delvoye

Born in 1965 in Wervik, in the Flemish countryside, Wim Delvoye lives and works in Ghent, Belgium. His works have been shown in numerous individual and collective exhibitions in private and public galleries, museums, and biennials around the world, including the Centre Georges Pompidou (Paris), the Casino Luxembourg, the New Museum of Contemporary Art (New York), the Venice Biennale, MOCA (Shanghai) and the Kunstwerke (Berlin). He belongs to a generation of Flemish artists that have revolutionized contemporary art. His best-known works include the Cloaca series, Art Farm, Gothic Work, 9 Muses and SexRays.

The artist’s website: http://www.wimdelvoye.be/

Free public activities

 - Inaugural meal - January 15 at 5:30 p.m.

The exhibition opening will be a festive evening where four artists, Valérie Blass + Anthony Burnham, Sylvie Cotton and Stephen Schofield, will prepare a three-course meal on site for Cloaca N° 5.

- Roundtable discussion - February 3 at 5:30 pm

What’s your opinion of Cloaca? An art historian, a gastroenterologist and a sociologist will express their views on Wim Delvoye’s work.

- Noonttime Contemporary Art - Every Wednesday fro; 1 to 1:45 p.m.

There will be a guide at the Galerie to exchange ideas with the public. Bring your lunch and dine with Cloaca!

- Screening - February 14 from noon to 6 p.m.

The short film Next Floor, by UQAM Communications graduate Dennis Villeneuve, will be screened in a loop on the last day of the exhibition. Courtesy of DHC/Fondation pour l’art contemporain. Next Floor depicts a grotesque banquet where 12 characters participate in a bizarre gastronomic procession. It was awarded the Grand prix Canal + for short films at the Cannes Festival in 2008

 - Wim Shop

Check out the “Wim Delvoye” products on sale at the Galerie.

Educational Booklet

An educational booklet is offered to the public free of charge as a a guide to the exhibition.

Creative Commons License
This work is licensed under a Creative Commons Attribution-NonCommercial-NoDerivatives 4.0 International License.

Olivia Boudreau, Pelages, 2007© Olivia Boudreau, Pelages, 2007

Olivia Boudreau. Pelages

Graduating master's student in visual and media arts, UQAM

January 16 to February 14, 2009
Opening: Thursday, January 15, 5:30 p.m. 

 

[More information - French only]

La Galerie de l’UQAM présentera, du 16 janvier au 14 février 2009, Pelages, une installation vidéo de cinq heures d’Olivia Boudreau.

http://www.oliviaboudreau.com/pelages.html

L’exposition

Un vêtement à haute connotation symbolique sur le plan culturel, coupé dans une matière animale, la peau d’un renard. Une surface de séduction récupérée d’une logique immanente à l’animal et à l’homme : un manteau de fourrure comme point de rencontre entre deux réalités du corps. Pelages réunit la possibilité d’enfiler une représentation provocante, culturelle et érotique du corps en même temps que la possibilité de devenir animal, de retrouver la logique initiale du vivant. Entre la représentation de la femme portant un manteau de fourrure et celle de l’animal arborant son pelage, la vidéo rend visible par sa durée une mécanique du corps, une oscillation entre être et représenter.

Pendant presque cinq heures, le corps négocie la pose. Pris au piège dans cet espace de représentation, comme un lion en cage, ce sont des dizaines de poses que le corps produit. La durée de Pelages démontre que ce qui est donné à voir du premier coup d’œil est trompeur et qu’au-delà de l’image, se trouve une expérience engageant la perception. La réconciliation entre l’image (son pouvoir plastique) et le corps (son potentiel de variabilité) est le paradoxe que présente Pelages.

Le travail de l’artiste

Le travail d’Olivia Boudreau s’appuie sur une première intuition : puisque nous sommes incapables d’opérer un total contrôle de notre image pendant une longue période de temps, la durée propre à la vidéo permet de rendre visible une certaine dynamique du corps coincé entre l’image et l’être. Depuis plusieurs années, l’artiste explore la durée par le biais de la performance et de l’image vidéo. Les postures performatives choisies abordent les thèmes de l’érotisme, de l’intimité, de l’animalité et de la vulnérabilité du corps. Elles ont parfois un caractère d’interdit ou de grande intimité qui semble indicible, « immontrable ». Cependant, l’approche structurelle et conceptuelle de cette démarche les rend partageables. Une béance est alors produite : l’écart entre une forme très construite et la représentation du corps qu’elle supporte. Cet espace revient au spectateur, à sa subjectivité et devient l’occasion de faire une expérience questionnant l’acte même de représenter, mais surtout, celui de percevoir.

L’artiste

Olivia Boudreau est une artiste de la performance et de la vidéo. Elle vit et travaille à Montréal. Son travail a été remarqué lors d’expositions récentes à Montréal (Optica, Galerie Leonard et Bina Ellen de l’Université Concordia, Galerie SBC) et elle participait au Colloque de la 4e Manif d’art de Québec. Avec Pelages, elle termine sa maîtrise à l’École des arts visuels et médiatiques de l’UQAM.

Site web de l’artiste : www.oliviaboudreau.com/index.html

2009_pauwManon De Pauw, L'apprentie 2, 2008, digital colour print on archival paper, 55,9 x 76,2 cm, 2/7, Coll. of UQAM (2009.7)

Manon De Pauw. Intrigues

Curator: Louise Déry

 

February 27 to March 28 2009
Opening: Thursday Feb. 26, 5:30 pm

 

[More information]

Next Thursday, February 26, at 5:30 p.m., Galerie de l’UQAM will inaugurate the exhibition Manon De Pauw. Intrigues, featuring Montreal artist Manon De Pauw, an up-and-coming figure on the Quebec and Canadian contemporary art scene. The curator of the exhibition is Louise Déry.

The Exhibition

The works in the exhibition Manon De Pauw. Intrigues describe the path the artist has taken since the beginning of this decade. Photograms, photographs, video performances, performance set-ups, single-channel videos and multi-channel video installations investigate light and the image in ways as varied as they are poetic. Manipulation of accessories, materials and colours, unfurling gestures, hands and bodies, recourse to various means of mechanical and digital recording, and use of surfaces of inscription like paper, tables, screens and lightboxes are all part of this protocol of artistic experimentation that generates a visual writing through which various ages of the image run like veins.

If Manon De Pauw explores the appearing of the image – with its measure of unpredictability, suspended materiality, narrative potential and motion – it is because much of her work is produced in the darkroom or the shadows of the studio. She has the ability to latch onto this fragile breath of the image as it emerges under the effect of light, recording its luminous fluidity to create the tangible body of the image that asserts itself before our eyes.

The notions of “teaching body,” “apprentice,” “proof,” “workshop” and “repertoire” in the works’ titles best define the undercurrent of research centred on experimentation and the image-inventing process. Spectral silhouettes, rotating bodies, effects of transparency and opacity, fleeting and sustained glows in rays of light, multiple temporal effects and sound presences fuelled by the arsenal of technology all create a fascinating merry-go-round that cannot fail to intrigue the gaze and renew our unquenched thirst for the image.

Catalogue

A comprehensive catalogue with more than sixty reproductions of works by the artist is in preparation. It will be the first monograph on Manon de Pauw, whose practice, despite its significance has not yet been the subject of an in-depth study and remains little documented. The book will closely reflect the content of the exhibition, while surveying the artist’s activity in the past ten years.

Biographical Note on the Artist

Manon De Pauw lives and works Montreal. Her art has been presented in many group exhibitions, events and festivals in Canada, Europe and Latin America, for example at the Musée d’art contemporain de Montréal (2006 and 2008), the Centro Nacional de las artes in Mexico City (2006), g39 gallery in Cardiff, U.K. (2005), and the Musée national des beaux-arts du Québec (2004). Among her solo exhibitions have been those at Optica and La Chambre Blanche (in collaboration with Michel Laforest) in 2006, the Centre d’exposition Expression in Saint-Hyacinthe (2005), the gallery Sylviane Poirier art contemporain (2004) and DARE-DARE (2003). Agraduate of UQAM’s École des arts visuels et médiatiques, Manon De Pauw teaches photography at Concordia University.

Website of Manon De Pauw: www.manondepauw.com.

The Exhibition Curator

Curator, writer, publisher and teacher of museology and art history, Louise Déry holds a doctorate in art history (1991). She has been the director of the Galerie de l’Université du Québec à Montréal since 1997. Before that, she was curator of contemporary art at the Musée national des beaux-arts du Québec and the Montreal Museum of Fine arts, and was director of the Musée régional de Rimouski. Since the 1990s, she has worked directly with a many artists, published nearly fifty exhibition catalogues and contributed to promoting the work of David Altmejd, as commissioner of the Canadian Pavilion at the 2007 Venice Biennale. In 2007, she won the first Hnatyshyn Foundation Award for Curatorial Excellence in Contemporary Art, in recognition of the high standards of her contribution as an exhibition curator in Canada.

Free Public Activities

-  “Atelier ouvert” (Open Workshop)

The Galerie’s small gallery serves as an installation and performance space. It is equipped for projections, with a light table, cameras, projectors, paper and various materials. In solo sessions and in collaboration with artists who have influenced her development, Manon De Pauw will work with the performance presence, image and light. The public will be able to observe the creative process as it happens, in a muted atmosphere of concentration and attention to gesture. Performance actions, choreographies, repetitive tasks and spontaneous experiments will fill this laboratory space and transform its spatial and visual arrangement.

March 5 – Manon De Pauw
March 12 – Manon De Pauw
March 19 – with Danièle Desnoyers, choreographer
March 26 – with Sylvie Tourangeau, performance artist

- “Nuit Blanche” with Manon De Pauw and Nancy Tobin
Time: 10:00 p.m. to midnight. The Galerie will be open from 8:00 p.m. to 3:00 a.m.

During the Nuit Blanche, Manon De Pauw will improvise with sound artist Nancy Tobin in an open workshop. They will construct an audio and visual space together, employing the intensity of colours and frequencies, and manipulating both visible and invisible materials. The artists have worked together previously on Là où je vis, a piece with choreography by Danièle Desnoyers (Le Carré des Lombes). The Nuit Blanche will provide yet another opportunity for their worlds to coexist.

Nancy Tobin is a sound artist and designer. During the last twenty years, her designs for dance and theatre productions have been part of the Festival de théâtre Transamériques, the World Stage Festival, the Festival d’Avignon, the Edinburgh International Festival and the Berliner Festwochen. Over the years, she has developed a specialization in vocal amplification for theatre and incorporates unusual audio speakers to transform the aural qualities of her compositions. Nancy Tobin is currently finishing DelayToys-Berceuses, a thematic composition, centred on memory, play, silence and contemplation.

Webste of the artist: www.mmebutterfly.com.

2009_pad_gExhibition view Passage à découvert 2009, photo: L.-P. Côté

Passage à découvert 2009

Graduating students from the undergraduate program in visual and media arts, UQAM

 

April 17 to 25, 2009 
Opening: Thursday, April 16, 5:30 pm

 

[More information]

Passage à découvert is an opportunity to discover the works of tomorrow’s contemporary artists and teachers who will take their place in museums, galleries and schools. The exhibition illustrates the students’ creative vitality, curiosity and freedom and bears witness, once again, to the professionalism of recent graduates and the excitement that their projects provoke. Presented each year, this exhibition also reveals the wealth and diversity of the programs offered by the École des arts visuels et médiatiques, which favours multidisciplinary education.


Pascal Concert, <i>Madone de Bentalha</i>, 2001-2002 © SODRAC Pascal Concert, Madone de Bentalha, 2001-2002 © SODRAC

Pascal Convert. Madone de Bentalha

Guest curator: Gaëlle Morel


September 4 to October 10, 2009
Opening: Friday, September 11, 8.00 pm 


[More information - French only]

Le Mois de la Photo à Montréal et la Galerie de l’UQAM invitent le public à découvrir, du 4 septembre au 10 octobre, l’exposition Pascal Convert. Madone de Bentalha. Le commissariat du 11e Mois de la Photo à Montréal est assuré par Gaëlle Morel sur le thème Les Espaces de l’image. Le vernissage aura lieu en présence de l’artiste, le vendredi 11 septembre, à 20 h.

Le travail de cet artiste d’exception est à découvrir absolument pour sa lecture de notre époque et pour sa profondeur artistique et humaine. Il a déjà intéressé plusieurs personnalités françaises du milieu de l’art, tels que Catherine Millet, Philippe Dagen et Georges Didi-Huberman qui ont abondamment publié sur cette œuvre singulière et sur l’artiste.

L’exposition

L’exposition est consacrée à une pièce majeure de l’artiste français Pascal Convert, soit la Madone de Bentalha. Un documentaire ainsi qu’un montage photographique accompagnent l’œuvre et la contextualisent. La Madone de Bentalha est une majestueuse transposition en cire de la célèbre photographie de presse d’Hocine Zaourar présentant une femme éplorée devant le massacre survenu à Bentalha pendant la guerre civile algérienne. Cette photo a fortement marqué l’actualité politique des années 1990 en Algérie. À cette époque, qualifiée de décennie noire, un processus électoral interrompu donne lieu à une guerre civile durant laquelle 150 000 à 200 000 personnes sont tuées.

Rappelons les faits :

Pendant la nuit du 22 au 23 septembre 1997, des bombardements ont lieu à Bentalha, une petite ville de la banlieue d'Alger. Enfants, femmes et hommes sont attaqués, brutalisés, égorgés. Les autorités en place font état de 85 morts. En réalité, il y aurait eu environ 600 morts. À l'époque du massacre de Bentalha, Hocine Zaourar est affecté à l'Agence France-Presse. Le lendemain du drame, avec quelques rares journalistes, il quitte Alger pour Bentalha malgré une forte présence policière sur les lieux. Il se rend, notamment, à l'hôpital Zmiri d'El Harrach où ont été transportées les victimes. C'est là qu'il prend la photographie, alors titrée Massacre de Bentalha, qui deviendra l'image culte diffusée comme la Madone de Bentalha. Celle-ci fait la une de la presse mondiale et apparaît sur 750 couvertures le même jour. La veille de la remise du prix World Press 1997 qui récompensera le travail d'Hocine Zaourar, Oûm Saad, la femme qui a été photographiée, fait une sortie médiatique. Elle porte plainte pour droit à l'image, diffamation et informations mensongères, notamment du fait de sa culture musulmane au sein de laquelle le motif de la madone est étranger. Le procès intenté contre le photographe aussi bien que contre l'Agence France-Presse aboutit à un non-lieu en 2003. Encore aujourd'hui, l'écho de cette polémique se fait entendre.

En s'appropriant cette image tragique et en actualisant le thème de la lamentation, Pascal Convert expose à la fois son intérêt pour le documentaire comme genre artistique et sa filiation à une longue tradition de la sculpture religieuse. On ne peut qu'imaginer avec étonnement l'incroyable défi qu'a constitué la réalisation de l'œuvre, faite entièrement de cire polychrome. D'échelle humaine, la figure exprime une souffrance qui renvoie non seulement à l'événement qui en est le prétexte, mais à toute l'iconographie chrétienne de la pietà.

L'artiste

Pascal Convert est né en 1957 à Mont-de-Marsan, en France. Il vit et travaille à Biarritz. Madone de Bentalha est sa première exposition solo en Amérique. Avec ses premières œuvres graphiques et ses premiers moulages de diverses parties de son propre corps, Pascal Convert se saisissait de matériaux personnels et quotidiens – son appartement, ses bras, ses objets usuels – pour en fixer le souvenir. Au début des années 1990, l'artiste délaisse ces traces autobiographiques pour se tourner vers l'histoire collective et ses personnages enfouis ou oubliés : le résistant Joseph Epstein, Anna Politovskaïa ainsi que Lucie et Raymond Aubrac. Si Pascal Convert produit également des œuvres audiovisuelles de type documentaire, la technique de l'empreinte constitue le processus fondateur de sa démarche.
Pascal Convert a présenté son travail notamment au Centre Pompidou à Paris et dans plusieurs autres villes françaises comme Lyon, Bordeaux et Nanterre. Il a de plus exposé à Tokyo et au Luxembourg où ses œuvres ont été acquises par des institutions.

Le Carnet éducatif

La Galerie de l'UQAM publie une brochure éducative offerte gracieusement aux visiteurs pour les guider dans leur parcours de l'exposition : il comprend notamment un texte de l'artiste intitulé Médée l'Algérienne

Le Mois de la Photo à Montréal

Le Mois de la Photo à Montréal lancera sa 11e biennale internationale de photographie contemporaine le 10 septembre 2009. Organisé autour du thème Les Espaces de l'image et élaboré par la commissaire invitée Gaëlle Morel, l'événement présentera plus d'une vingtaine d'expositions individuelles d'artistes en provenance du Québec, du Canada, du Chili, de la Chine, de la Colombie, des États-Unis, de la France, d'Israël, du Liban, des Pays-Bas, de la République démocratique du Congo, du Royaume-Uni, de la Suisse et de la Turquie.
www.moisdelaphoto.com

Les activités publiques gratuites

- Conférence de Pascal Convert

Le vendredi 11 septembre, à 12 h 30

- Journées de la culture

Le vendredi 25 septembre, de 15 h à 18 h
Introduction au travail de l’artiste français Pascal Convert et discussion sur la relation de l’art à l’image journalistique

Le samedi 26 septembre de 13 h à 17 h

- Le Mois de la Photo à Montréal propose un parcours culturel dans la ville. En suivant le trajet proposé par les navettes gratuites, le public pourra parcourir les différentes expositions de la programmation. Plus de détails sur www.moisdelaphoto.com

Appuis

Conseil des Arts du Canada et du Mois de la Photo à Montréal.

Educational Booklet

An educational booklet is offered to the public free of charge as a a guide to the exhibition.

Creative Commons License
This work is licensed under a Creative Commons Attribution-NonCommercial-NoDerivatives 4.0 International License.

Jacko Restikian, Autour du MACM, 2008Jacko Restikian, Autour du MACM, 2008

Jacko Restikian. Made in China

Graduating master's student in visual and media arts, UQAM

September 4 to October 10, 2009
Opening: Thursday, September 11, 8.00 pm

 

[More information - French only]

La Galerie de l’UQAM présente l’exposition Made In China de Jacko Restikian, du 4 septembre au 10 octobre 2009. Par le truchement de la recirculation de toiles fabriquées en Chine, Jacko Restikian explore le concept de la postproduction et le rapport entre la production, le producteur et l’usager. Il transformera l’espace de la Galerie en un magasin symbolique où l’on vend, à prix modique (1 $ - 1,25 $), des petites toiles vierges fabriquées en Chine. Pendant l’événement, l’artiste utilisera ces toiles comme objets de performance, et comme accumulation d’un « ready-made » dans l’espace d’exposition. Il invitera les visiteurs de la Galerie et deux performeurs (Christian Bujold et Geneviève Senécal) à faire usage de l’espace et des toiles, selon certaines balises, non comme simples participants, mais plutôt comme producteurs individuels et collectifs de l’œuvre elle-même.

En outre, le rapprochement entre l'installation et l'aire d'accueil de la Galerie associe la vente de ces toiles à la diffusion des éditions de catalogues et de livres d'art. Cependant, la signification de cette association symbolique et métaphorique se transforme du moment qu'on amorce la vente des toiles, car alors l'installation devient un potentiel d'absence. Le vide probable de la salle, après la vente, défait conceptuellement les corrélations contenu et contenant, exposant et exposé. En revanche, il met en relief la dialectique présence et absence qui annonce l'usager comme consommateur et producteur, dé-constructeur et constructeur. D'ailleurs, la fonction de la toile qui fait référence à la peinture est infléchie, même trahie par la vente qui insiste sur sa valeur d'échange commercial. La toile devient le signe à la fois d'un potentiel d'espace pictural et d'une marchandise en circulation. Les acheteurs des toiles, les performeurs et l'artiste, associés à des transporteurs, en expérimentent la charge et la valeur sociale et esthétique.

Ici, le titre Made in China s'ajoute comme une équivalence du mythe du « bon marché » dans la nouvelle économie symbolique et matérielle du management néolibéral. En effet, la Chine est évoquée non pas comme une histoire d'une société (qui nous échappe) mais plutôt comme un signe de délocalisation, c'est-à-dire de déplacement des ressources humaines, matérielles et naturelles.

Se fonder sur le constat que le processus de la recirculation est une postproduction semble à l'artiste une stratégie qui permet de soulever des questions sur le produit socioculturel, le mode de production, le producteur et l'usage. En se basant sur un concept de Nicolas Bourriaud, il définit la postproduction comme étant une production secondaire, une attitude d'utilisation du bagage et des données culturels existants, qu'ils soient matériels ou conceptuels. La recirculation de la toile et son mode d'emploi créent un contexte ambigu esthétique et fonctionnel. La postproduction comme un acte d'usage pensé et développé peut-elle brouiller ou ébranler l'identité du producteur, de l'artiste?

Présentation du projet par Anne Bertrand, coordonnatrice artistique chez Skol : le mercredi 30 septembre, à 13 h

Performances aléatoires (sans heures précisées à l'avance) : tout au long de l'exposition en collaboration avec Christian Bujold et Geneviève Senécal

Notes biographiques

Jacko Restikian est un artiste multidisciplinaire. Originaire du Liban, il vit et travaille à Montréal depuis six ans. Son travail a été présenté au Québec (Galerie Mai, B-312 et Le Lobe) et à Beyrouth (Espace SD, Zico House). Il achève, avec Made in China, ses études de maîtrise à l'École des arts visuels et médiatiques de l'UQAM.

Les activités publiques gratuites

- Journées de la culture

Le vendredi 25 septembre, de 15 h à 18 h
Introduction au travail de l’artiste français Pascal Convert et discussion sur la relation de l’art à l’image journalistique

Le samedi 26 septembre de 13 h à 17 h
Le Mois de la Photo à Montréal propose un parcours culturel dans la ville. En suivant le trajet proposé par les navettes gratuites, le public pourra parcourir les différentes expositions de la programmation. Plus de détails sur www.moisdelaphoto.com

Simon Bertrand, <i>Les réécritures</i> (oeuvre en cours), 2009, photo : Sylvain Légaré © Simon Bertrand© Simon Bertrand, Les réécritures (oeuvre en cours), 2009, photo : Sylvain Légaré 

Simon Bertrand. Assembler, dessiner, transcrire

Graduating master's student in visual and media art, UQAM


October 23 to November 21, 2009
Opening: Thursday, September 11, 2009 

 

[More information - French only]

La Galerie de l’UQAM présentera l’exposition Simon Bertrand. Assembler, dessiner, transcrire du 23 octobre au 21 novembre 2009. Le vernissage aura lieu le jeudi 22 octobre, à 17 h 30, et l’artiste y sera en plein travail. Quotidiennement, celui-ci reviendra sur place au cours de l’exposition afin de continuer ses réalisations.

Assembler, dessiner, transcrire

Tenter de copier l’intégralité de la Bible et de l’Odyssée d’Homère, ou essayer de tracer des cercles parfaits à la main constituent les exercices fastidieux auxquels se consacre Simon Bertrand. L’artiste met en œuvre trois procédés artistiques distincts, soit l’assemblage, le dessin et la transcription. Lors de l’exposition, ceux-ci seront séparés en trois stations. Sans jamais vraiment cesser son travail, l’artiste passera d’une station à une autre lors de ses séances de travail dans la Galerie. Simon Bertrand met à l’épreuve ces différents procédés en les répétant individuellement sur une longue période de temps. Les accumulations qui en résultent sont le point de départ d’une réflexion sur l’appropriation, la non-linéarité temporelle et l’aboutissement dans le travail.

Station de transcription : Il s’agit ici de transcrire deux livres, l’Odyssée d’Homère et la Bible - Nouvelle traduction. L’intention est de réunir sur une seule surface un texte en entier afin de le donner à voir dans sa totalité. L’écriture menue et linéaire permet à l’artiste de compresser le récit tout en rendant la lecture possible.

« Je ne suis pas chrétien, ni croyant, mais je reconnais la place et l’importance des écritures bibliques, tout comme les écrits d’Homère. J’ai le sentiment de les connaître intimement, même si je ne les ai pas lus. Je sens aussi qu’ils ont joué et jouent encore un rôle important dans ma vie, dans la manière dont j’ai été éduqué et dans ma façon de percevoir ce qui m’entoure : la souffrance, la mort, l’amour. Il s’agit donc, à travers la transcription, de tenter de saisir cet héritage qui est en moi malgré moi, de m’en imprégner, de le prendre, de le faire mien. L’héritage est si bien assimilé que nous ne le percevons plus, mais nous en dépendons toujours. »

Station de dessin : cet exercice a pour but de dessiner un cercle parfait d’un mètre de diamètre à main levée. Les traits accumulés marquant cette progression renvoient à la notion de perfectionnement dont la nature implique ou suppose une sorte d’obsession. L’objectif visé étant concrètement impossible, l’idée même de point de chute est constamment remise en question.

« On peut y voir une caricature de la pratique artistique, voire de ma propre pratique, et de l’ambition démesurée de l’artiste qui se prend au sérieux dans son processus. Pour moi, il y a de l’ironie dans cette image de la figure de l’artiste au travail. »

Station d’assemblage : des objets et des matériaux préalablement trouvés ou achetés sont assemblés sur une base quasi-quotidienne. De manière spontanée et sans but spécifique, sinon celui d’éprouver le procédé de l’assemblage, l’artiste forme des arrangements polysémiques de petites dimensions et les accumule de façon chronologique sur une période indéterminée. Les assemblages sont perçus davantage comme les produits de l’exercice que comme des sculptures à proprement parler.

« De par sa facture et son aspect performatif, chaque station renvoie à une temporalité qui est propre au corps. Ces accumulations sont pour moi la matérialisation de multiples durées formant des itinéraires irréguliers, des trajets fractals. Aussi, elles donnent à voir ce qui est en train de se faire dans un processus qui se renouvelle incessamment et compulsivement. »

Notes biographiques

Simon Bertrand est un artiste multidisciplinaire. Né au Québec, il vit et travaille dans la région de Montréal. Ses réalisations ont été présentées dans différentes galeries et centres d’expérimentations dont Art Mûr, la Galerie Verticale, la Galerie VAV et le Centre de Diffusion et d’Expérimentation des étudiants de la maîtrise en arts de L’ÉAVM (CEDx). Il termine, avec Assembler, dessiner, transcrire ses études de maîtrise en arts visuels et médiatiques.

Le Carnet éducatif

La Galerie de l'UQAM publie une brochure éducative offerte gracieusement aux visiteurs pour les guider dans leur parcours de l'exposition : il comprend notamment un texte de l'artiste intitulé Médée l'Algérienne

Appuis

Conseil de recherches en sciences humaines
Bourse du Fonds des professeurs de l’ÉAVM

Oscar Muñoz, <i>Line of Destiny</i> (detail), 2006, video. Courtesy of the artist and Galería AlcuadradoOscar Muñoz, Line of Destiny (detail), 2006, video. Courtesy of the artist and Galería Alcuadrado

Oscar Muñoz. Imprints for a Fleeting Memorial 

Curator: José Roca


October 23 to November 21, 2009
Opening: Thursday, October 22, 5:30 pm 

Touring exhibition organized by  Prefix Institute of Contemporary Art, Toronto

 

[More information - French only]

La Galerie de l’UQAM inaugurera, le jeudi 22 octobre prochain à 17 h 30, la première exposition solo à Montréal consacrée à l’artiste colombien de renommée internationale Oscar Muñoz. Le commissariat est assuré par José Roca et l’exposition est organisée par Prefix Institute of Contemporary Art (Toronto). Le vernissage aura lieu en présence de l’artiste et du commissaire et sera précédé, le même jour, par une conférence à 12 h 30. Lors de celle-ci, le commissaire et Oscar Muñoz feront une présentation de son travail.

Exposition

Oscar Muñoz. Imprints For a Fleeting Memorial [Traces d’une mémoire évanescente] offre un aperçu du travail de l’artiste colombien Oscar Muñoz qui, depuis plus de 30 ans, crée un important corpus d’œuvres d’art explorant la relation entre l’image et la mémoire. L’exposition réunit plus d’une dizaine d’œuvres. De la photographie à la gravure en passant par le dessin, l’installation, la vidéo et la sculpture, Muñoz brouille les frontières formelles en inventant des techniques sans précédent. Son expérimentation porte en fait sur la fabrication de l’image et se poursuit dans l’utilisation de matériaux improbables tels que de la soie sérigraphique déposée sur de l’eau, des cubes de sucre, du café, des coupures de journaux, des cigarettes.

Ayant choisi de délaisser les applications traditionnelles des diverses techniques artistiques pour les adapter – sans compter l’intégration occasionnelle de mécanismes d’autodestruction des œuvres –, Muñoz a développé une démarche qui s’ancre aussi bien dans les qualités intrinsèques des matériaux que dans les associations poétiques qu’ils évoquent.

Notes biographiques de l’artiste

Né à Biarritz en 1951, Oscar Muñoz vit et travaille à Cali, en Colombie. Durant les cinq dernières années, son travail a été reconnu en Europe et en Amérique du Nord, avec des expositions de groupe à travers l’Europe et les États-Unis. Ses œuvres ont été acquises notamment par le Tate Modern de Londres, le Musée d’art contemporain de Los Angeles (MOCA), le Musée d’art de Miami, le Musée Hirshhorn à Washington, le Musée des beaux-arts de Houston et La Caixa à Barcelone. La participation de Muñoz à la 52e Biennale de Venise a été particulièrement remarquée et a constitué un temps fort de l’événement.

Le commissaire

José Roca travaille à Bogota en Colombie de même qu’à Philadelphie aux États-Unis où il est actuellement le directeur artistique de Philagrafika 2010. Pendant plus de dix ans, il a dirigé le programme des arts à la Banco de la Republica à Bogota, l’imposant comme l’une des institutions les plus respectées dans le circuit de l’Amérique latine. Roca a été co-commissaire de la 1re Triennale Poly/graphic de São Paulo au Brésil (2006), de l’Encuentro de Medellín MDE07 (2007) et de Cart[ajena], une série d’interventions urbaines à Carthagène en Colombie (2007). Il a de plus participé au jury de la 52e Biennale de Venise (2007).

Prefix

Prefix Institute of Contemporary Art est à la fois une galerie d’art et une maison d’édition située à Toronto. Organisme à but non lucratif, Prefix travaille à promouvoir l’appréciation et la compréhension de la photographie, des médias et de l’art numérique contemporain.

Les activités publiques gratuites

- Conférence d’Oscar Muñoz et José Roca 
Le jeudi 22 octobre à 12 h 30, local R-M130, pavillon des Sciences de la gestion (315, rue Sainte-Catherine Est)

Les appuis

Pour la production de cette exposition, la Galerie de l’UQAM a reçu l’appui du ministère du Patrimoine canadien, dans le cadre du volet Fonds des expositions itinérantes, et du Conseil des Arts du Canada.

<i>Guerrilla Girls’ Montage</i>, 2006-2009, mixed media, courtesy www.guerrillagirls.comGuerrilla Girls’ Montage, 2006-2009, mixed media, courtesy www.guerrillagirls.com

Guerrilla Girls. Disturbing the Peace

Curator: Mélanie Boucher


December 4 to 19, 2009
Opening: December 3, 5:30 pm 

 

[More information]

From December 4 to 19, the Galerie de l'UQAM is presenting an important Guerrilla Girls exhibition. This is the first time that works by the internationally recognized cooperative of anonymous feminist artists will be shown in Quebec. The exhibition is curated by Mélanie Boucher, and two founding members of the collective will attend the opening. This project is part of the Commemorative Events on the 20th anniversary of the École Polytechnique massacre.

Exhibition

Guerrilla Girls. Troubler le repos / Disturbing the Peace will feature twenty Guerrilla Girls posters created between 1985 and 2009, as well as a documentary on the collective. In addition, in conjunction with the Commemorative Events, the Guerrilla Girls have created Troubler le repos / Disturbing the Peace, a work on the theme of violence against women and misogyny in society. Produced by the Galerie de l'UQAM, this work will premiere at the exhibition.

To preserve their anonymity, the members of the group wear gorilla masks at public appearances. Since 1985, the Guerrilla Girls have denounced gender inequality through various interventions and provocative posters, often tinged with humour. Their work spares nothing and no one. Their prime target has been the art world, but they have also focused on the film industry, social inequities, ethnic minorities, war and, of course, the concerns and rights of women.

The exhibition, an excellent introduction to the work of the collective, is taking place in Canada at a historic juncture, the twentieth anniversary of the tragic events of December 6, 1989 at the École Polytechnique. On that day, a man who claimed to be fighting feminism opened fire on twenty-eight people, killing fourteen women. Troubler le repos / Disturbing the Peace deals with hatred against women and feminism.

Postering

Starting November 23, more than 2,500 Troubler le repos / Disturbing the Peace posters will be displayed in Montreal’s public spaces, educational institutions and businesses. This initiative is consistent with the Guerrilla Girls’ methodology: since forming the collective, they have regularly presented work in public spaces to create a powerful impact, capture public attention and generate debate.

Publication

A bilingual publication on the Guerrilla Girls is in the works and will be available by spring 2010.

Commemorative Events

The exhibition and public postering are part of the commemoration of the Montréal Massacre. The series of Commemorative Events, to be held at UQAM from December 4 to 19, will also include an international symposium, a thematic exhibition and a public gathering. Partnering with the Galerie de l’UQAM on the Commemorative Events are the UQAM Institut de recherches et d’études féministes, the UQAM Service aux collectivités, Muséografik and the Fédération des femmes du Québec.

The collective

Guerrilla Girls is a collective of anonymous artists founded in 1985. Their actions, posters, stickers, books, videos and other pamphleteering objects are produced as multiples. Their work has been presented in a number of countries (the U.S., Argentina, China, Spain, Italy, Greece, Mexico, Netherlands, United Kingdom, Serbia, Turkey, etc.) and in shrines of contemporary art (Venice Biennale, MASS MoCA, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Tate Modern, Whitney Museum of American Art, Centre Georges Pompidou, etc.). In their twenty years of existence, the Guerrilla Girls have established a place for themselves in the international art scene.
www.guerrillagirls.com

Exhibition curator

Mélanie Boucher is completing her doctorate in art history at UQAM. In 2008, she curated Intrus / Intruders at the Musée national des beaux-arts du Quebec (MNBAQ). In 2003, she was co-curator of ORANGE : Contemporary Art Event of Saint-Hyacinthe. Over the past ten years she has curated other exhibitions at the MNBAQ, the Galerie de l'UQAM, the Musée d'art de Joliette, the Musée régional de Rimouski and Expression, the exhibition centre in Saint-Hyacinthe, etc. In 2005, she received the Prix Relève de la Société des musées québécois, awarded to an individual in the early stages of a museum career.

Supports

The Canada Council for the Arts
Transit. Collective of independent curators and critics

Documentation

Creative Commons License
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Exhibition view <i>Paramètres 2009</i>. Photo: L-P CôtéExhibition view Paramètres 2009. Photo: L-P Côté

Paramètres 2009

Students from the undergraduate program in visual and media art, UQAM

 

December 4 to 12, 2009
Opening: Thursday, December 3, 5:30 pm

 

[More information - French only]

L’École des arts visuels et médiatiques (ÉAVM) présente l’exposition annuelle Paramètres 2009 à la Galerie de l’UQAM. Du 4 au 12 décembre, le public est invité à y découvrir les artistes de la relève. L’exposition sera composée de travaux d’étudiant(e)s sélectionné(e)s par un jury composé de professeur(e) et chargé(e)s de cours de l’ÉAVM.

La présente édition de Paramètres revêt un caractère particulier car elle est l'occasion de souligner la contribution de tous les étudiant(e)s, professeur(e)s et professionnel(le)s qui ont édifié ensemble l'UQAM au cours des 40 dernières années.

L’exposition souligne l’effervescence et la vivacité des diverses approches créatrices des étudiant(e)s ainsi que le professionnalisme auxquels ils aspirent. L’École des arts visuels et médiatiques de l’UQAM privilégie une formation pluridisciplinaire et Paramètres 2009 permet de témoigner de la richesse, de la diversité de ses programmes et de la qualité des travaux réalisés par ses étudiant(e)s.

Les Bourses d’excellence de la Fondation McAbbie et le Prix d’excellence Omer De Serres seront remis à l’occasion du vernissage qui aura lieu le jeudi 3 décembre, à 17 h 30.



Canada Council for the Arts Canada Council for the Arts

GALERIE DE L’UQAM

Université du Québec à Montréal
1400, Rue Berri, Pavillon Judith-Jasmin, Local J-R 120
Montréal, Québec
Tuesday to Saturday from noon to 6 p.m.
Free admission